Выставки VIII Платоновского фестиваля

Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, постоянный партнер фестиваля, привез в Воронежский областной художественный музей им. Крамского масштабную выставку Фернана Леже. За всю историю фестиваля это первый проект, представляющий творчество зарубежного художника.

На выставке, специально сформированной для Воронежа, представлены работы Леже нескольких видов изобразительного искусства, демонстрирующие его многогранный талант. Экспозиция включает в себя живописные произведения художника, выполненные в конце 1940-х - начале 1950-х годов; цветные литографии, значительная часть которых входит в серию “Город” и сделана по парижским зарисовкам; фаянсовые тарелки и, наконец, огромные шпалеры, изготовленные по эскизам Леже по заказу его ученицы и помощницы (а, впоследствии, и жены) Надежды Ходасевич-Леже уже после смерти художника. Именно она передала в дар Пушкинскому музею большинство его произведений. Продолжая идею Леже о доступности искусства, экспозицию дополняют два тактильных макета для слепых и слабовидящих людей по мотивам декоративных рельефов.

Фото:  Дарья Кобзаренко

Фернан Леже и Андрей Платонов творили в одно время, в центре внимания обоих стоял человек. А тема строительства и образы строителей (шпалера “Строители с алоэ” и другие работы) по мнению куратора выставки Варвары Замахаевой перекликается с одним из главных лейтмотивов произведений Андрея Платонова - темой строительства нового будущего.   

Леже хотел нести искусство людям, размещать его на стенах домов - устраивал выставки на заводах, украшал мозаикой госпиталя, витражами - церкви и городские сооружения, делал керамику. “Надо, чтобы цвет вторгался в жизнь людей. Цвет приносит радость. Я люблю яркие краски, бурные контрасты. Пусть они горят на стене”, - говорил Фернан Леже. И они, действительно “горят” - на живописных ли полотнах или цветных гравюрах, шпалерах и фаянсовых тарелках. Цвет радующий, утверждающий жизнь в разных ее проявлениях.

 

Один из основоположников советского авангарда Александр Родченко, начал заниматься фотографией в 1924 году. В конце 1920-х он публиковал свои экспериментальные ракурсные снимки в журналах "Советское кино" и "Новый ЛЕФ", снимал первые фоторепортажи для советских журналов.

Он показывал мир новой Москвы, сборку автомобилей на заводе, генераторы на электростанции, производство электрических лампочек. Родченко искренне верил, что будущее – за индустриальным миром.

Мультимедиа Арт Музей, предоставивший фотографии Родченко, уже неоднократно сотрудничал с фестивалем.

Фото: Дарья Кобзаренко

“Опыт сотрудничества с международным Платоновским фестивалем искусств чрезвычайно ценен для нас, потому что дает возможность демонстрировать тематические выставки авторов, современных писателю Андрею Платонову, - обращается к воронежским зрителям в своем приветственном письме директор московского Мультимедиа Арт Музея Ольга Свиблова, - Родченко снимал техническую натуру не ради политической агитации. Он был вдохновлен формой новой техники, эстетикой конструктивистской архитектуры как художник. Его обрывистые ракурсные снимки как нельзя острее выявляли непривычную красоту индустриального мира. <...> Замечая детали, он не забывал о человеке. Рядом со станками на фотографиях Родченко всегда есть человек”.

Картины и объекты, выполненные землей, вдохновленные творчеством Андрея Платонова.

Фото:  Дарья Кобзаренко

Все творчество Андрея Платонова пропитано темой поиска смысла жизни, всеобъемлющей истины и, конечно же, темой смерти и ее преодоления. Так и Михаил Рошняк, используя необычный для творчества материал, наотрез не соглашаясь с принципами художественного академизма, пытается приблизиться к раскрытию истины и осмыслению самых сложных смыслов человеческой жизни. Картины автора, выполненные из земли, символизируют и раскрывают таинство существования человека, который всю жизнь роет котлован в надежде на достижение пресловутого счастья, не замечая, как жизнь проходит мимо него и котлован из места постройки счастливой жизни превращается в могилу несбывшихся мечтаний и ложных воззрений.  

 

Эскизы и макеты к театральным постановкам разных лет из коллекций Театрального музея им. А.А. Бахрушина, Музея театрального и музыкального искусства, Литературно-мемориального музея Ф.М. Достоевского, музеев МХАТа, Большого драматического театра, Малого драматического театра.

Организаторы, по словам худрука фестиваля Михаила Бычкова, мечтали представить Эдуарда Кочергина в двух его ипостасях - как классика отечественной драматургии и одновременно как блестящего писателя. К сожалению, по причинам, связанными со здоровьем Эдуарда Степановича, которому в прошлом году исполнилось 80 лет, он вынужден был остаться в Петербурге, и его творческий вечер в Воронеже не состоялся. Выставка тем не менее благополучно открылась и продолжит радовать воронежцев и гостей города до конца июня.

Экспозиция собиралась довольно кропотливо - шесть музеев предоставили работы Эдуарда Кочергина из своих коллекций. Концепцию сформировала театровед и ближайший соратник Кочергина Надежда Хмелева.

Фото:  Дарья Кобзаренко

“На этот проект было сложно решиться из-з сложного сбора работ с разных музеев, - отметила на открытии куратор. - Плюс фестиваль поставил нам интересную и непростую задачу - собрать выставку, которой нигде еще не было. Мы выбрали спектакли, которые Кочергин сделал по Толстому, Чехову и Достоевскому. Каждая из трех стен галереи посвящена одному из спектаклю. Таких оригинальных выставок мы еще не делали”.

Для того, чтобы сформировать ощущение спектакля у зрителя, а не показать художника, вырванного из театрального контекста, авторы выставки использовали фотографии актеров в образах из спектакля. Это Лебедев, Ильинский, Борисов. Для “Истории лошади” Товстоногова, в которой сыграл Евгений Лебедев, задача перед сценографом стояла колоссальной сложности - ведь в спектакле показываются и лошади, и люди, и мир, в котором они живут. Кочергин придумал единый материал, который соединяет человека, лошадь, землю, небо. Это холст. Он создал мироздание из холста, костюмы из холста - “лошадь” “одета” в холщовую рубаху, у князя из под холщового одеяния выглядывает кусочек атласа. В сценографии и книгах Кочергина всегда есть человеческий выход из самых трагических ситуаций. Это стремление идти в глубину человека объединяет творчество Эдуарда Кочергина с творчеством Платоновым, считает куратор выставки Надежда Хмелева.

В прошлом году исполнилось 25 лет с тех пор, как французский современный танец появился на российской сцене. Французский институт в России всегда считал продвижение современного танца одной из своих основных задач. За это время при его содействии в России было показано более 100 французских спектаклей, создано более 25 совместных постановок, проведены многие десятки мастер-классов и кинопоказов.

Все эти годы современный танец был в объективе Владимира Луповского. Французский институт в России предложил известному фотографу создать выставку из его уникальных архивов и показать ее на российских фестивалях. Выставка, состоящая из 50 фотографий, дает представление о спектаклях Доминика Буавена, Франсуа Верре, Жан-Клода Галотты, Филиппа Декуфле, Даниэля Ларрье, Фредерика Лескюра, Эдди Маалема, Мурада Мерзуки, Матильд Моннье, Жозе Монтальво, Жозефа Наджа, Режиса Обадии, Карин Понтьес, Анжелена Прельжокажа, Пьера Ригаля, Эрве Робба, Пала Френака, Рашида Урамдана, Доминик Эрвье и многих других хореографов. Это впечатляющая панорама французского современного танца в России за последние 25 лет.

Проект "НАИВ…НО" уже в своем названии содержит заявку на расширение границ восприятия наивного искусства, на преодоление стереотипов, связанных с его фольклорным характером. Выставка призвана акцентировать точки соприкосновения профессионального искусства и самодеятельного творчества.

Фото: Дарья Кобзаренко

Экспозиция выставки "НАИВ...НО" состоит из двух частей. "Наивный" раздел представлен работами Нико Пиросмани, "компанию" которому составят Анри Руссо, Павел Леонов, Катя Медведева, Владимир Зазнобин, Елена Волкова. "Профессиональная" часть экспозиции включает работы классиков отечественного авангарда Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой, Владимира Татлина, Давида Бурлюка, Кузьмы Петрова-Водкина, произведения художников поколения 1980-х, а также представителей актуального направления, взошедших на отечественную арт-сцену в 1990-2000-х годах.