Не думаю, что это можно считать тенденцией, но в ушедшем году не оправдали ожиданий, прежде всего, московские театральные "гранды". Разочаровал булгаковский "Бег" Сергея Женовача в МХТ им. А.П. Чехова - спектакль концептуальный, трагический, но беспросветный и лишенный живых лиц. Это касается и персонажей, и актерских работ. Есть, однако, приятное исключение - Ирина Пегова, прекрасно сыгравшая Люську.
В театре им. Моссовета в ушедшем году появились две премьеры, также не ставшие откровением. Режиссер Юрий Еремин написал пьесу, соединив в ней практически все главы романа М.Ю. Лермонтова "Герой нашего времени" кроме "Тамани". Получился крепкий, хрестоматийно-литературный и в целом скучноватый спектакль, в котором, однако, есть хорошие актерские работы. Это Анастасия Пронина (Мери), Лилия Волкова (Вера) и Алексей Трофимов (Грушницкий). Но особенно следует выделить сыктывкарского актера Захара Комлева, который выразительно, мощно, с большим воодушевлением сыграл Максима Максимыча.
Неожиданно банальным, невыразительным и неостроумным, не похожим на прежние театральные сочинения режиссера Виктора Шамирова оказался его спектакль по пьесе Оскара Уайльда "Как важно быть серьезным". Но и здесь есть свой "луч света": замечательная молодая актриса Юлия Хлынина, превосходно сыгравшая Сесиль Кардью.
Не вызвали воодушевления премьеры Театра им. Вл. Маяковского. Своеобразное пространственное решение спектакля "Московский хор" сослужило ему недобрую службу. Несмотря на героические усилия Евгении Симоновой, ее ум и энергетику спектакль в целом оказался скучным и "натужным". Прискорбно и то, что пьеса Л. Петрушевской как-то "потерялась" в общем гаме и суете. Вторая премьера Маяковки - "Йокнапатофа". Миндаугас Карбаускис по сути дела повторил на Сретенке свой спектакль, поставленный в 2004 году в Театре Табакова по роману У. Фолкнера. В Табакерке спектакль назывался "Когда я умирала", в Маяковке - "Йокнапатофа". Невольно пришлось сравнивать. И, увы, надо признать, что нынешний спектакль уступает театральному сочинению Карбаускиса 15-летней давности. Прежде всего, тем, что из него ушел тончайший романтический флер взаимоотношений героев, их юмор, ум и простодушие. Вместо них нынешний зритель увидел броуновское движение суетливых, раздраженных, порой кривляющихся персонажей, не связанных друг с другом ни общими мыслями, ни чувством. (Вполне возможно, однако, что режиссер ставил перед актерами именно такую задачу). При этом нельзя не сказать, что работы некоторых артистов впечатлили и даже вызвали поток положительных эмоций. Это касается, прежде всего, Юлии Марычевой (Адди Бандрен), Аси Фоменко (трогательная и нежная Дюи Дел), Евгения Матвеева (Вернон Тал и особенно Мозли).
Озадачил многоуровневый, громоздкий, насыщенный многочисленными трудно разгадываемыми метафорами и аллюзиями, чрезвычайно сложный для зрительского восприятия "Пер Гюнт" в Театре им. Евг. Вахтангова. Но нельзя не отметить превосходную актрису Евгению Крегжде, блеснувшую в роли Матери Пера Гюнта яркими трагико-гротескными красками и великолепным вокалом.
Спектакль "Пер Гюнт", фото Валерия Мясникова
II. Радости.
Театр Сатиры. А.П. Чехов. "Платонов".
Некоторые "академики", напротив, порадовали и вдохновили. В Московском Театре сатиры состоялась премьера спектакля по пьесе А.П. Чехова "Платонов". На постановку был приглашен известный режиссер Павел Сафонов. Пьеса прекрасно разошлась в труппе, кастинг оказался стопроцентно удачным, а режиссер, судя по всему, нашел общий язык с превосходными артистами. Блистательно поработали постоянные соавторы Сафонова по прежним сатировским спектаклям - художник-сценограф Мариюс Яцовскис и композитор Фаустас Латенас, а на заглавную роль нашелся уникальный и к тому же популярнейший артист Максим Аверин.
Павлу Сафонову удалось мастерски справиться с очень непростой пьесой, которую А.П. Чехов, по всей видимости, считал своей неудачей, поэтому в зрелом возрасте не публиковал и не предлагал театрам. Режиссер смог нащупать в этой юношеской «пробе пера» то, что было свойственно всем последующим пьесам великого драматурга - глубину, неоднозначность, печальную иронию и «летучесть». А главное - создать взрывоопасную атмосферу действия, его энергетическую ауру и определить «болевые точки». Многонаселенная, насыщенная (а порой и перенасыщенная) текстом, персонажами и коллизиями их взаимоотношений пьеса потребовала от постановщика тончайшего, скрупулёзного разбора ролей. И эта работа увенчалась успехом: у каждого персонажа есть своя осмысленная линия поведения, логика, характер, органика, изюминка. Аверин играет своего неприкаянного и вихревого героя отчаянно, мощно, страстно! Этот Платонов на редкость многообразен: красив, умен, талантлив, порывист, чуточку смешон, открыт, беззлобен, ироничен, бескорыстен, склонен к философии, трагичен, остроумен. Перечень черт его характера можно продолжить. Аналогий этому герою в произведениях А.П. Чехова, пожалуй, не найти. Думаю, что Антон Павлович позднее вложил разные черты этой мятущейся натуры и в Тригорина, и в Треплева, и в Иванова, и в Войницкого, и в Лаевского, etc.
Спектакль "Платонов". Фото: https://satire.ru
РАМТ. М. Угаров. "Оборованец".
1 апреля прошлого года в годовщину смерти Михаила Угарова в Белой комнате РАМТа состоялась премьера спектакля по его ранней пьесе "Оборванец". Поставил спектакль известный режиссер Владимир Мирзоев, пространство создала художник Алиса Меликова. Пьеса, написанная в 1993 году, посвящена растерянному и потерянному поколению "лихих" девяностых, когда вместе с государством нищали души людей, не знающих, куда им приткнуться, и глядящих в будущее без всяких надежд. Драматург, режиссер и прекрасные артисты Молодежного театра попытались "сквозь магический кристалл" рассмотреть мысли и чаяния своих странных, мятущихся персонажей, не задумывающихся ни о смысле жизни, ни о пресловутой "духовной жажде".
Мирзоев в предуведомлении написал, что "Оборванец" - о зависти. И что каждый герой в этом мире кому-то завидует и непременно что-то крадет. Наверное, это в общем так. Но мне показалось, что спектакль еще и о неустроенности и неприкаянности людей, которым как Мармеладову в "Преступлении и наказании" нужно хоть куда-нибудь да пойти. Вот они и маются и ищут точки опоры в соприкосновении друг с другом, пусть даже обманчивые и эфемерные. И в результате сквозь эту мешанину призрачных эмоций и никчемных мыслей проступает человеческая "комитрагедия", в которой, несмотря ни на что, всех становится жалко. Владимир Мирзоев, как всегда, сочинил непростой, странный, остроумный и отчасти лукавый спектакль, про который при всей его на первый взгляд бытовой основе можно сказать словами из японской пьесы "Колодезный сруб": "Все непостоянно в непрочном и печальном мире-сне". И на самом деле кажется, что его герои живут в каком-то полусне, и неизвестные вихри влекут их в какие-то неведомые сферы помимо их воли. Спектакль, несмотря на непростые условия "Белой комнаты", легок и красив по своей театральной фактуре. Великолепен и, самое главное, ненавязчив его пластический рисунок (поклон хореографу Рамуне Ходоркайте), доминантой которого являются яркие и на редкость эротичные танцы героя со своими дамами. И смотрится спектакль, как ни странно, на одном дыхании, несмотря на некоторое многословие и ограниченность сценического пространства. Наверное, ранняя пьеса Михаила Угарова в чем-то несовершенна, не вполне простроена. Но, тем не менее, она заставляет размышлять. И сопереживать. А спектакль Владимира Мирзоева - еще раз радоваться его неиссякаемой творческой фантазии и наслаждаться красотой потрясающих женщин. Которых, как поется в романсе, хочется непременно "обнять и плакать".
Спектакль"Оборванец", фото Антона Белицкого
ШДИ . Н.В. Гоголь. "Женитьба".
Свою сценическую версию великой пьесы Н.В. Гоголя "Женитьба" предложил художественный руководитель одной из творческих лабораторий Театра "Школа драматического искусства" Александр Огарёв. С первых же минут действия режиссёр погружает зрителей в атмосферу мистерии, в которой, как кому-то может показаться, классический сюжет гоголевской комедии становится только поводом для загадочного и трагикомического карнавала. Здесь забавные истории неудавшихся женихов сплетутся с тревожащими душу раздумьями томной и нежной красавицы Агафьи Тихоновны о невероятной сложности выбора спутника жизни. А солидные чиновники, одетые в совершенно невообразимые костюмы, станут демонстрировать гипотетической невесте свою творческую удаль: петь, показывать фокусы, разыгрывать перформансы, чем-то напоминающие студенческие театральные упражнения на память физических действий и т.д. В одной из сцен они даже примутся рычать друг на друга аки дикие самцы-хищники, конкурирующие за право обладания самкой! В конце концов, эта вакханалия перерастет в нечто, напоминающее "Вальпургиеву ночь" - эротико-пластическое действо, когда всё вокруг будет ходить ходуном, а его участники ничтоже сумняшеся начнут выделывать ногами кренделя и получать от этого невероятный кайф и драйв! Который в финале охладит своим прыжком-непрыжком в несуществующее окно Иван Кузьмич Подколёсин.
Между тем "Женитьба" А. Огарева - это пронзительное и трогательное повествование о маленьких людях, стремящихся хоть как-то украсить свою скудную и несуразную жизнь, найти ту одну душу, которая бы поняла и приняла его. Странные гоголевско-огарёвские женихи вдруг напомнили фразу из "Преступления и наказания": "Ведь надобно же, чтобы всякому человеку хоть куда-нибудь можно было пойти". Вот и этим одиноким и нелепым, хотя и бодрящимся чиновникам тоже надобно хоть куда-нибудь пойти… И они идут, наслаждаются общением, участвуют в «смотринах», хотя понимают, что их неровен час могут и "отшить". Этот спектакль - и об извечном противоречии и противостоянии, единстве и борьбе таких противоположностей, как Инь и Ян… И, конечно, как это часто бывает у А. Огарёва, "Женитьба" - это очередной поклон Его Величеству Театру, в котором не только могут, но и должны приключаться совершенно невероятные события, подобные тому, что произошло в купеческом "каменном доме в Московской части, о двух елтажах, уж таком прибыточном, что истинно удовольствие".
Спекталкь "Женитьба". Фото https://sdart.ru
"Сатирикон". Дана Сидерос. "Всем кого касается".
Константин Райкин, до мозга костей "пропитанный" классикой, во второй раз в жизни обратился к современной российской драматургии. И выбрал пьесу поэтессы, драматург и иллюстратора Дана Сидерос "Всем кого касается", написанную совсем недавно. Суть дела такова: в школьном классе элитарного учебного заведения появляются два не вполне адекватных (так кажется на первый взгляд) новичка. Они - братья, один из них немой, другой, как выяснится позже, бывший слепой, которому сделали успешную операцию на глазах. Братья изобрели для общения друг с другом и окружающими особый язык, который поначалу вызывает неудовольствие и насмешки их вполне благополучных соучеников - детей высокопоставленных и обеспеченных родителей. Назревает конфликт между братьями и юными снобами. Но дело заканчивается лишь локальными пожарами: и в полном, и в фигуральном смысле.
Театральное сочинение Константина Райкина похоже на него самого. Спектакль столь же стремителен как внешне, так и по своей сути, резок, колюч, эмоционален, непредсказуем, остроумен и… очень добр. Режиссер не дает зрителю ни секунды передыха, увлекая его в водоворот этой необычной истории, в которой сплелись драматические, тревожные, курьезные, а порой и очень смешные эпизоды. Истории, которая заканчивается гимном доброте и человеческому взаимопониманию.
Все без исключения актеры играют умно, задорно, очень эмоционально, не изменяя при этом вкусу и чувству меры. Впрочем, у Райкина иначе нельзя: в его театре артисты, не умеющие жить на сцене до полной гибели всерьез, долго не задерживаются. Надо отметить еще одну важную деталь: молодые, но вполне взрослые артисты, которым уже за двадцать с изрядным гаком, точно играют возраст своих 15-16-летних персонажей. И ты не сомневаешься, что перед тобой подростки. Особого упоминания достойна Полина Райкина в роли учительницы русского языка Софьи Алексеевны. Яркая, взрывная, неуёмная, мятущаяся, непримиримая, порой брутальная - это лишь немногие из эпитетов, которые можно было бы употребить, характеризуя её героиню. И, как бы парадоксально ни звучало, эти черты сочетаются в ней с глубоко запрятанной в душе нежностью и любовью к своим не всегда «пушистым» питомцам.
Спекталкь "Всем кого касается". Фото https://www.satirikon.ru
Театр "Сфера". А.Н. Толстой. "Гиперболоид инженера Гарина".
В. С. Розов. "Затейник".
Этот театр в ушедшем году "отметился" двумя превосходными спектаклями: сценической версией известного фантастического романа А.Н. Толстого в постановке Глеба Черепанова и ближе к Новому году - спектаклем "Затейник" по пьесе Виктора Розова в постановке главного режиссера театра Александра Коршунова. Автору фантастического уголовно-политического детектива о новоявленном диктаторе с выстрелами, убийствами, кровью, изменами, реальными и наигранными страстями, предательством, научными открытиями и любовным многоугольником удалось вместить в свое почти трёхчасовое действо практически все перипетии романа. В результате родилось яркое, динамичное, событийно насыщенное зрелище, внешняя сочность и стремительность которого, однако, ничуть не снижает нравственного пафоса произведения и не мешает осмыслению его философских глубин. Спектакль Глеба Черепанова при всей его сочной театральности очень кинематографичен. Перестановки и световая партитура зрелища продуманы и сверстаны так точно и четко, что зритель практически не замечает "монтажных швов" и молниеносно переносится из одного места действия в другое. Помещение ленинградской почты в мановение ока уступает место интерьеру отеля, кабинет Роллинга - парижскому кабаре, палуба парохода - комнате в уголовным розыске в том же Ленинграде, будуар Зои Монроз - салону аэроплана и т.д. Несмотря на то, что в спектакле Черепанова практически отсутствуют прямолинейный пафос, патетика и дидактика, его человеческий и гражданский посыл очевиден. Он вместе с актерами и зрителями пытается разобраться в природе и истоках страшного явления, именуемого деспотизмом. И его вердикт суров: короля играет окружение! Диктаторы появляются на свет только при попустительстве и даже при прямом содействии "агрессивно-послушного большинства". Но автор спектакля не предлагает никаких рецептов. Он просто предупреждает.
Спектакль "Гиперболоид инженера Гарина", фото Евгения Люлюкина
Совершенно иным по сути и по форме оказался спектакль Александра Коршунова. Пьеса, написанная больше 50 лет назад, в XXI веке не просто не утратила своей актуальности, но даже приобрела дополнительную остроту и пронзительность. Персонажи пьесы - люди, на первый взгляд, обыкновенные, ничем не выдающиеся. Да и основная сюжетная коллизия отнюдь не нова - "любовный треугольник". Но, при этом, история далеко не рядовая: молодая женщина ради спасения любимого человека от возможного преследования со стороны "органов" умоляет его уехать из Москвы. Он уезжает куда глаза глядят и пропадает из виду всех близких. Потом в сочинском санатории его находит бывший приятель и разворачивается драматическая история, коллизии которой меняют судьбы многих людей.
Режиссер скрупулезно разобрал каждую роль и выстроил логику взаимоотношений персонажей. И, актеры, имея в основе такую мощную режиссерскую конструкцию, в рамках заданного рисунка обретают необыкновенную легкость, свободу и импровизационный полет. Два действия "Затейника" А. Коршунова - это по сути дела два разных по сути, форме и эмоциональному накалу спектакля. Первый - это диалог-поединок двух бывших приятелей-антиподов. Режиссер виртуозно выстраивает этот поединок, в котором не будет победителя. Но симпатии и даже любовь зрителей, безусловно, окажутся на стороне внешне слабого, но более сильного духом. Во втором действии конфликт становится более бытовым, открытым и ожидаемым, хотя, при этом, столь же захватывающим.
Сектакль "Затейник". Фото Сергея Чалого
"Мастерская Петра Фоменко". В. Шекспир. "Король Лир".
С. Плотов. "Завещание Чарльза Адамса или дом семи повешенных".
За 30 с лишним лет своей жизни прославленный театр ни разу не посягал на на великие шекспировские трагедии. Но на 31-м году своей жизни все же дерзнул. Художественный руководитель театра Евгений Каменькович поставил "Короля Лира". Наверное, "Мастерская П. Фоменко" должна была "дозреть" до такой махины, как "Король Лир". И, прежде всего, на это должен был решиться бесспорный кандидат на заглавную роль Карэн Бадалов. Спектакль приковывает тебя "стальными обручами", прежде всего, точно расставленными режиссерскими акцентами, тщательно выстроенными темпоритмами и мощным, постоянно нарастающим эмоциональным накалом. Действие накатывает на тебя волнами, каждая последующая превосходит по силе предыдущую, и, в конце концов, захлестывает с головой.
Главная отличительная особенность этого "Короля Лира" состоит в том, что при всем пиетете перед величественностью трагедии в спектакле доходчиво и предельно ясно рассказана щемящая человеческая история о несчастном пожилом человеке, который решил внести в свою жизнь разнообразие, бросить опостылевший трон и связанные с пребыванием во власти интриги и козни. А заодно дать «волю» дочерям, которым давно следовало бы стать более самостоятельными. Которые «в благодарность» беззастенчиво его предают. Важно в этом спектакле и то, что все сюжетные линии равноценны и равнозначительны, что, увы, в сценических воплощениях этой пьесы происходит не часто. В данном случае истории Глостера с сыновьями, Кента и интриг между дочерями Лира оказываются столь же захватывающими, как и линия самого Лира. Интересно и не совсем обычно то, что трагедийная канва сюжета сочетается с тончайшим, порой горьким юмором, и, как бы это ни выглядело странно, зал по ходу спектакля довольно часто разражается смехом. И дело здесь не только в самом тексте, сколько в его осмыслении и необычном сценическом преломлении. Это придает зрелищу тот самый "изюм", который делает спектакль не банально-правильной и оттого тяжеловесной иллюстрацией известного классического произведения, а самостоятельным, уникальным произведением искусства. Уникальность его - и в том, что в нем заняты блистательные актеры «Мастерской П. Фоменко», которым под руководством режиссера удалось досконально разобрать свои роли и даже придать им новое звучание.
Спектакль "Король Лир", фото: https://www.fomenki.ru
Определить жанр спектакля "Завещание Чарльза Адамса или дом семи повешенных", используя привычную театральную терминологию, не представляется никакой возможности. Пожалуй, лучше всего это сделали сами авторы, назвав свое театральное сочинение "страшно-смешной комедией". У слабохарактерного зрителя сие действо вызовет оторопь и даже ужас, поскольку порой возникает подозрение, что в дело явно вмешались потусторонние силы. Например, за происходящим наблюдают и комментируют его три жутковатые и мрачноватые огромные жёлтые совы и такой же громадный филин по имени Карлос! А висящие на стене портреты стильных мачо в белоснежных костюмах вдруг оживают, начинают говорить и даже лихо отплясывать со своей бывшей женой! Но и это еще не все: отдельные персонажи внезапно взмывают под колосники, а неподвижный каменный ангел, стоящий на постаменте на кладбище, вместе с главной героиней с удовольствием пригубливает из фляжки первосортный шотландский (или ирландский?) виски! В довершение ко всему леденящие кровь духи почивших в бозе убийц свободно бороздят воздушное пространство той географической точки, в которую авторы поместили своих героев!
Как свидетельствует осведомленный и проверенный источник в самом театре, авторами идеи и содержательной части истории стали Олег Глушков, Вадим Воля и Ольга-Мария Тумакова. У просвещенного читателя и зрителя перипетии придуманного ими сюжета и его персонажи вполне могут вызвать ассоциации и с инфернальной "Семейкой Аддамсов", и с чёрно-белыми Marvel Comics, и с приключениями Белоснежки и даже печальной повестью о Ромео и Джульетте! (Признаюсь, что у меня возникли даже отдаленные аллюзии с "Мастером и Маргаритой"). Но при всем этом идея, реализованная в пьесе и спектакле, абсолютно оригинальна и даже уникальна: театральное сочинение задумывалось не как некое отдельное и "независимое" драматургическое произведение, а в расчёте на конкретный театр и конкретных актёров. И только после того, как были придуманы образы и персонажи, Сергей Плотов написал текст пьесы, который во время репетиций подвергался редактированию, доработке и, как говорят актеры, "обминался".
Спектакль "Завещание Чарльза Адамса или дом семи повешенных", фото: https://www.fomenki.ru
Центр Драматургии и Режиссуры. А.П. Чехов. "Медведь".
Премьера спектакля Владимира Панкова "Медведь" в Центре драматургии и режиссуры состоялась в рамках Международного театрального фестиваля им. А.П. Чехова. Театральные сочинения В. Панкова невозможно отнести к какому-либо жанру или направлению, ибо их причудливая, порой парадоксальная гармония не поддается поверке алгеброй. Опытный зритель, привыкнув к его странной "лире", уже не задает себе недоуменные вопросы, а каждый раз с наслаждением проваливается со всеми потрохами в омут его диковинных трагикомических "синтетических" зрелищ, рожденных безудержной режиссерской фантазией. Так произошло и на этот раз. Поборник "правды жизни" в театре, скорее всего, возмутится тем, что в спектакле, о котором идет речь, множество странностей и причуд. Например, Елена Ивановна Попова вместо фотографий любимого мужа со слезами рассматривает и гладит портреты А.П. Чехова и В. И. Немировича-Данченко, не переставая при этом корить усопшего Николая Михайловича за невнимание и измены! Служанки Елены Ивановны, похожие на каких-то таинственных ведуний, с тусклыми фонарями в руках бесшумно появляются из недр загадочного дома и рядком рассаживаются у своих пюпитров. Инфернальную компанию дополняет одетый, как и ведуньи, в черную кофту и серый сарафан и украшенный траурным, но изысканным бантом-шляпкой в кудрявых волосах лакей Лука - бородатый старик лет 24-25 от роду с редким музыкальным инструментом - бас-кларнетом - в руках.
Между тем такие чудеса не помешают развитию известных каждому читающему человеку событий: в дом, несмотря на чуточку наигранную ажитацию Поповой и противодействие кларнетиста Луки, войдет благопристойный господин в соболиной шубе - нестарый помещик Григорий Степанович Смирнов, внешне подозрительно напоминающий все того же В. И. Немировича-Данченко. И, объяснив свое затруднительное финансовое положение, попросит хозяйку возвратить ему долг её покойного мужа в размере 1200 рублей. Она деликатно откажет, но потом, возмущенная грубостью, даже прогонит его. Но он не уйдет.
Начнется словесная перепалка, перерастающая в непримиримый конфликт. А через некоторое время лихой ямщик натянет поводья, взмахнет кнутом, и поскачут наши герои в противоположные стороны на тройках под разудалую песню! А их alter-ego - дивная юная дама и великан во фраке - станут бурно выяснять отношения, пикируясь в страстных вокальных «сражениях» под звуки изумительной музыки, уносящей тебя от земли подальше в высоту… Между тем вскоре после начала "военных действий" ты почувствуешь, что денежный вопрос постепенно сходит с повестки дня дискуссии. И что одинокому, симпатичному и доброму человеку, скорее всего, бывшему вояке, уже просто-напросто не хочется уходить из этого дома. И он молча, не колеблясь, положит на стол пресловутые 1200 рублей, чудесным образом обнаруженные Поповой в письмах мужа и возвращенные кредитору. И тогда в ее взгляде возникнет недоумение, смешанное с уважением, ибо жлоб и повеса Николай Михайлович, судя по всему, никогда бы так не поступил. А спустя еще несколько минут любовь выскочит перед дуэлянтами, "как из-под земли выскакивает убийца в переулке, и поразит их сразу обоих!"
На главные роли Владимир Панков пригласил не очень юных по возрасту, но молодых душой артистов Елену Яковлеву и Александра Феклистова. В облике и повадках обоих героев есть какая-то пронзительная простота и благородство, свойственные не просто добрым и интеллигентным людям, а тем, что прожили большую половину своей жизни, многое в ней поняли и уже почти махнули на себя рукой. Но вдруг почувствовали, что Господь даровал им последний призрачный шанс найти близкого по духу человека. Панков почувствовал в этих грандиозных артистах что-то истинно чеховское. И, прежде всего, редкое в наше время качество - человеческое и актерское достоинство!
Спектакль "Медведь", фото: http://teatrcdr.ru
